Nem tudo sobre, mas o suficiente para começarmos a ter curiosidade.

Certa vez me peguei pensando e repensando sobre um assunto, perguntei ao pessoal daqui no skype, mas não conseguiram me responder de forma objetiva, e continuei com essa pergunta na cabeça, que possuo até hoje enquanto escrevo isso aqui. Para criticar, analisar, qualquer mídia, é preciso fazê-la assim como seus produtores, artistas, compositores, ou simplesmente saber como se é feito?

Desde que comecei a brincar de escrever fics e contos, até alguns roteirinhos para jogos de rpgmaker, lendo os tropes literários e visuais no tvtropes, sinto que fiquei com um pouco de refino para analisar essa mídia que consumimos, animangas em geral. Mas creio eu que isso mais se deve pelo fato de que eu mesmo escrevo minhas histórias, e por assim fazer, quando analiso um anime/mangá literariamente me torna mais fácil de dissecar os elementos e identificar os tropes que os autores usaram e usam em suas historias, porque, afinal, me tornei e faço como eles.

Mas no caso dos animes não tenho recursos, obviamente, pra fazer um audiovisual como quem tem mesa gráfica e sabe mexer com programas de animação. Com certeza, isso não nos impede de analisar/criticar anime, de forma alguma! Mas percebo que eu e talvez outros que, provavelmente não entendem tanto quantos os próprios animadores ou quem anima de animação, não tem a “experiência” e o olho pra ver anime de uma forma mais catalogada, quero dizer, identificar os elementos que têm numa cena de anime e dizer pra que servem. Por isso decidi fazer esse post, que espero servir tanto pra mim, quanto aos críticos, aos fãs e também para os curiosos que não estão acostumados com anime, a ter um conhecimento mais fundo, porém ainda superficial de como se produz um anime, cada passo, fazendo assim com que não analisemos somente a parte literária dos animes, mas também a parte audiovisual, enfim, a arte propriamente dita.

Créditos do texto: Washiblog

Glossário:
Diretor de Animação: Sakkan (Sakuga Kantoku) [作画監督]
Desenhos de anime: Sakuga (作画)
Key Animation (Animação Chave): Genga (原画)
In-between Animation (Animação Dentre/De Preenchimento): Douga 動画
Diretor-Chefe de Animação: Sou-Sakuga kantoku (総作画監督)
Key Frame: Quadro Chave
Digicel: Película Digital
Screenplay: Roteiro

Pré-produção:

Esse processo vai depender de quem teve a ideia, e de quem está a apoiando. Pode ser os próprios estúdios junto com os patrocinadores, mas muitos dos animes que vemos são adaptações de mangás ou light novels, em cada caso, os publicadores enfrentam custos (incluindo o pagamento de passar em emissoras). A produtora (por exemplo, Aniplex) reúne equipe, patrocinadores, e procura por propaganda e mercadoria. Muitas pessoas falam que os estúdios estão sendo econômicos, mas apenas cerca de metade da verba é dada para o estúdio enquanto o resto vai para as emissoras e os patrocinadores. Os custos das emissoras são absurdamente enormes — de acordo com o blogueiro ghostlightning — cerca de 50 milhões de ienes para um bloco noturno em 5-7 estações no caso de uma série de 52 episódios. Notem como anime é um negócio caro. Por exemplo, Fullmetal Alchemist, que tinha um bloco noturno nos sábados às 6 da manhã, teve uma verba total de 500 milhões de ienes (não incluindo os custos adicionais).

Quando a equipe principal é formada, eles se reúnem e planejam o anime, compõem a série (como o anime será produzido em cada episódio/pelo desenvolver da série) e escolhem os membros posteriores tais como designers de mechas e personagens. Um dos membros cruciais na equipe principal é o diretor. Para entender o papel dos diretores, imagine-os como diretores de um filme, mas em vez de lidar com os atores, lidam com os animadores que fazem os personagens do filme. Geralmente seu envolvimento consiste em frequentar reuniões e fazer decisões para alcançar o planejado, a verba e a qualidade de um anime.

Seguindo a seção anterior, designs (de personagens, mechas, roupas etc) são então criados. Obviamente os designs são um fator importante para criar um bom anime. Designers de personagens ou devem simplificar a arte/ilustração do mangá/light novels para se encaixar numa animação, ou, no caso de um anime original, criar personagens do zero baseando-se nas descrições dos diretores/produtores. Designers de personagens estão sempre avisando aos diretores de animação para que corrijam a animação de forma que os personagens fiquem próximos dos modelos que eles criaram (em cada caso são normalmente postos como o Diretor Chefe de Animação para a série).

Assim que a história e os designs ficam prontos, o primeiro episódio é produzido.

Comentários do Kouma: 50 milhões de ienes são cerca de 1 milhão de reais e poucos 500 mil dólares. Num artigo do ANN eles falam que não é um grande número, até shows americanos possuem uma produção que custa mais, e de fato não é. Uma coisa que não foi falada é que a maior parte da procura do estúdio e dos produtores está voltada para o marketing que a série vai gerar. Anime nada mais é do que uma promoção e uma oportunidade para marketing (produtos que serão vendidos mesmo após o término da série), visto que maior parte dos títulos sendo produzidos atualmente são adaptações de outras mídias.

Character Designs de Mahou Shoujo Madoka Magica (existe muitos character designs por aí, mas esse foi o que mais mostrou o lado “cru”).

Produção:

O primeiro passo é escrever o roteiro dos episódios. Baseando-se na sinopse/planos de cada episódio, os roteiros são escritos seja por uma única pessoa para a série inteira ou por vários roteiristas diferentes com base no esboço do supervisor de roteiros geral (Créditos na equipe: Series Composition). Os roteiros são revisados pelo diretor, e potencialmente pelo autor da obra original antes de serem finalizados (após 3 ou 4 rascunhos, normalmente). O diretor de episódios, supervisionado pelo diretor principal pega sua “espinha dorsal” do episódio e deve planejar como isso vai aparecer na tela. Enquanto o diretor tem a palavra final e está envolvido nas reuniões de produção, o diretor de episódios é o que mais põe a mão na massa desenvolvendo os episódios. Esse estágio é expressado como um storyboard (roteiro visual), e o storyboard marca o verdadeiro começo da produção.

O Storyboard:

Geralmente o storyboard é feito pelo diretor, isso significa que um episódio é, de fato, a visão daquele diretor. Mas frequentemente, principalmente em animes para TV, vários storyboarders separados é que os desenham. Isso é porque storyboards levam cerca de 3 semanas para completarem a duração normal de um episódio de TV-anime (cerca de 24 minutos). Reuniões de arte e produção são feitas com o diretor de episódios, o diretor da série e os outros membros sobre como o episódio deve parecer. Storyboards são desenhados em papéis A-4 (normalmente) e contêm a maioria dos blocos estruturais mais importantes de um anime – o número de cortes, movimentos dos personagens, movimentos da câmera tais como zoom ou panning, o diálogo (pego do screenplay) e a duração de cada ação (ou corte) em termos de segundos e quadros (que vamos explicar mais a frente).

Para não ficar corrigindo o número de desenhos disponíveis para um episódio constantemente e não ultrapassar a verba, o número de quadros é cuidadosamente considerado nos storyboards.
Os storyboards são rascunhos e de fato a base para decidir como um anime vai seguir. Cortes significam um único shot de câmera, e um episódio qualquer de TV-anime normalmente irá conter cerca de 300 cortes. Mais cortes não necessariamente signifique um episódio com qualidade melhor, porém, vai significar mais trabalho para o diretor/storyboarder.

Por exemplo, os storyboards de To Aru Kagaku no Railgun. Storyboards de animes possuem 5 colunas. Da esquerda pra direita: O número de cortes, o layout, a ação, o diálogo, e, finalmente, o tempo de duração (em segundos e quadros). Os layouts são apenas rascunhos, já que serão tocados por outros artistas no próximo passo da produção.

Storyboard seguido das “ações” animadas de Natsu no Arashi!
Exemplo de storyboars de Jin-roh

Layouts:

Menos conhecido, o layout é o processo que marca o início da produção de arte. Em termos simples, desenvolver um layout trata-se de posicionar as películas que estão sendo usadas no corte e a arte de fundo que será necessária, dando o diagrama definitivo para como o shot final vai parecer. Os cortes são desenhados no mesmo tamanho que o papel da animação e dos detalhes do posicionamento das películas. Descrições precisas do movimento da câmera e outras decisões também estão inclusas. Junto com o diretor e possivelmente os produtores, o Animador Chefe desenha os layouts (às vezes a equipe especificamente ganha os créditos por desenhar os layouts) e os shots são colocados onde as películas/personagens estarão posicionados e a forma que um corte será posto em quadro. A estrutura básica da arte de fundo é desenhada tudo junto (por exemplo, uma árvore aqui, uma montanha ali), e os elementos do storyboard são mostrados no layout para ajudar a descrever o corte. Algumas vezes várias partes do storyboard podem ser mostradas em um único layout, contanto que não seja confuso. Películas são sombreadas com cores quentes, fundos são sombreados com cores frias.

Depois de serem aprovados pelo diretor, esses layouts são duplicados e levados ao departamento de backgrounds (que pega os originais) e aos key animators. O Diretor de Arte e seus assistentes trabalham na pintura do fundo baseando-se nos rascunhos dos layouts enquanto o resto do processo de produção continua congruentemente.

Agora que a forma de cada corte foi decidida — a posição dos personagens, o cenário, o que estão fazendo, e como o shot será capturado (ângulo da câmera, zoom e panning), falta somente uma das partes vitais e mais relevante da produção: a animação!

Animação:

Por exclusividade, anime é uma das poucas produções cinematográficas onde você ainda vê “animação tradicional”! Creio que houve um pouco de confusão entre os fãs de anime sobre como exatamente uma produção digital de anime é, então, para deixar claro: comercial, anime mainstream ainda é desenhado à mão, e por isso se salva como uma grande mídia artística! Animação tradicional permite mais individualidade na arte.

Obviamente, computadores também são muito usados (explicarei isso mais a frente), mas o crucial é que os quadros ainda são, a princípio, desenhados a lápis, e nenhuma animação in-between é simulada por computador. Há alguns animadores que desenham a animação 2D diretamente no computador, mas no caso de anime isso é muito restrito a produções solo, diferente de produções comerciais. A indústria prefere assim, pois os animadores se sentem mais confortáveis e capazes com esse método, além de tudo permite uma checagem e correção de quadros mais fácil em tempo curto. Como a animação é feita:

Key Animation:

Seguindo o storyboard, os key animators começam a trabalhar, criando os desenhos das animações. Lhes são atribuídos um certo número de diferentes cortes pela pessoa a cargo da animação chave (key animation). Os key animators desenham os quadros fundamentais que marcam uma posição ou expressão diferente de uma película/personagem. Daí advém o nome (animação chave), chave por ser o desenho do qual os outros vão ser produzidos. Por exemplo, um personagem chuta alguém num quadro chave (key frame), e no segundo quadro chave ele põe o pé no chão (se for um chute rápido!). Ou seja, eles desenham a estrutura da animação.

O número de quadros que um key animator desenha para um movimento vai depender de qual a sua intenção e a natureza do corte, com limites de tempo (duração) e verbas sendo considerados. Tais desenhos também incluem linhas que apontam onde deve ocorrer o sombreamento. Cerca de 20 key animators podem estar trabalhando num único episódio de anime, cada um com uma parte separada (às vezes vários cortes). Embora já seja decidido qual movimento deverá ser, é com o key animator que ele será expresso como animação. Por isso que um key animator talentoso e esforçado pode facilmente roubar o show, indo além do pedido no storyboard e desenhando a cena com seu próprio estilo. Alguns animadores também têm a oportunidade de se desviarem do storyboard (tal como o Yoshinori Kanada , que conseguia um ótimo efeito).

Existe um subconjunto do fandom de anime que ficam encantados por ótimos trabalhos de animação (quem não fica?!) e animadores, os fãs de “sakuga”. Sakuga tecnicamente se refere aos desenhos em um anime, mas o seu conceito se estende a descrever a animação como um todo. Quer dizer, as cenas desenhadas são puramente à mão, por um único animador. As pessoas acompanham seus animadores favoritos e identificam o corte que eles fazem, compilando-os em anime ou em amvs de animadores específicos. O núcleo do fandom de sakuga online é o “sakuga wiki” (em japonês), além disso, um grande número de “Sakuga AMVs” podem ser encontrados no youtube.

Hoje em dia, 2nd Key Animation (2º Animação Chave) também está surgindo, mas não sei exatamente do que se trata (se alguém souber, por favor explique!)

Mas e quanto a consistência? Enquanto a ênfase nisso varia de produção para produção, em geral é bom garantir que os personagens parecem os mesmos da parte de um key animator para outro. Isso é trabalho para o diretor de animação.

Comentários do Kouma: Segundo o que um comentarista falou, a 2nd key animation basicamente é o colocamento dos detalhes em casos que o key animator principal (melhor chamar de KA1) não desenha os detalhes, focando mais nos movimentos. Isso ajuda a dar um impulso na produção, pois assim o KA1 desenha mais rápido só os movimentos, o supervisor de animação pega o desenho, limpa, e passa para o KA2, e este termina os detalhes. Já que o trabalho do KA1 é divido em partes, para o supervisor de animação, para o KA2 e, mais tarde, para os in-betweeners, cada um fazendo um pouco, torna o processo fácil e rápido. Não é que eu esteja dando mais atenção à essa parte, mas é que realmente “Key Animation” é o núcleo da animação, não é à toa que se chama animação chave.

AMV de sakugas do Hinori Tanaka 
Análise do estilo de animação do Kanada 
Sakugas dos animes da spring de 2013 
Ryo-timo (Diretor do recente Yozakura Quartet) sakuga em Noein

Diretor de Animação:

Suspeito que esse é um cargo que muitos fãs de animes não sabem sobre, já que não é auto-explicatório. O papel do diretor de animação não é “dirigir a animação” por segundo (embora eles tenham níveis variáveis de envolvimento, dependendo da pessoa, do estúdio e do planejamento). Sua posição é basicamente sobre consistência. Eles examinam todos os key frames sendo criados para um episódio e corrigem o necessário para que assim os desenhos fiquem mais próximos do character design da série quanto o possível. Em alguns casos, eles podem ter que redesenhar um quadro inteiro, ou fazer ajustes para o timing e a movimentação (na maioria das vezes, isso acontece com OVAs e filmes). Eles são um dos quatro principais cargos para um episódio (screenplay, diretor de episódio, storyboard, diretor de animação). Key frames também podem ser checados pelos diretores de episódio.

Os diretores de animação são, na maior parte, animadores experientes, e por isso são mais pagos pelo papel. Porém, é responsabilidade deles se algo der errado com a animação, fazendo com que seja um trabalho extremamente estressante, principalmente sob pressão de tempo. Geralmente um episódio de anime terá mais de um diretor de animação. Isso pode ser um sinal de problemas com o planejamento, fazendo com que mais pessoas sejam necessárias para completar o episódio satisfatoriamente e no tempo, ou até um sinal de muitos desenhos mal feitos precisando de correção. Também é possível que seja porque os diretores de animação estão sendo usados onde são especializados (por exemplo, um diretor de animação que cuida das sequências de mecha, outro dos desenhos de animais), ou a indicação de que foi um episódio difícil e trabalhoso, com vários desenhos.

Além do diretor de animação do episódio, animes hoje em dia têm um diretor chefe de animação (na maioria dos casos é o designer de personagens), que trabalha junto com os diretores de animação para aproximar os desenhos dos modelos feitos e manter a consistência pelo resto da série. Normalmente eles focam nos rostos dos personagens. Algumas séries dão menos importância a isso, ou, como o caso de Noein, não usam um diretor de animação! (Kouma: Informação errada, cliquem no link)

Animação In-between:

Temos então nossos key frames aprovados para a animação, mas para que complete a animação, ou seja, pareça fluída, mais desenhos precisam ser feitos para serem colocados entre os key frames. Isso se chama animação in-between. Animação in-between é feita por animadores menos experientes, e muito terceirizado (mais na Coréia). Os animadores in-between são mais mal pagos do que os key animators, e normalmente é só uma posição temporária na carreira de animação. Poderia descrever isso como trabalho pesado, já que os animadores in-between não têm a chance de imbuir seus trabalhos com individualidade. Eles recebem (particularmente quando é terceirizado) instruções claras do key animator sobre o que devem fazer, e simplesmente preenchem as lacunas com desenhos. Eles também precisam ordenar os key frames.

Geralmente os key animators, principalmente os famosos, ou de sequências importantes, farão vários dos desenhos sozinhos, para assim minimizar o número de desenhos in-between, que são menos precisos. Há vários exemplos disso, um deles é a famosa sequência do Yoshimichi Kameda em FMA: Brotherhood, no qual Mustang está queimando Luxúria. Ele fez todos os quadros in-between sozinhos. Duvido que quadros desenhados por outras pessoas deixariam essa cena tão impressionante quanto os quadros que ele fez!

Os quadros in-between também são checados/examinados se necessário. Com os desenhos dos key animators e in-betweeners combinados, você tem a “animação” que vai em anime!

Na maioria das vezes, principalmente para TV, anime será animado em 2:s, isso significa que um desenho dura dois quadros (equivalente a 12 desenhos por segundo), mas às vezes a animação é feita em 1:s (24 quadros por segundo) ou 3:s. Se cada segundo de um anime fosse animado em até 2:s, isso envolveria o uso de cerca de 15.000 desenhos pra um episódio! Na verdade, como muitos shots possuem películas estáticas, ou porque várias cenas não necessariamente requerem movimentos fluídos, um anime normal terá cerca de 3.000 quadros/desenhos. Isso ainda é muito desenho! Geralmente (sobretudo recentemente) diretores ou produtores vão dizer que seus animes têm “10.000 desenhos pra cada episódio!” ou algo desse tipo, o que de fato é impressionante, mas não exatamente signifique que o episódio é melhor. Por exemplo, aparentemente o primeiro episódio de Evangelion usou apenas 700 quadros de animação, enquanto Angel Beats usou cerca de 11.000 no primeiro episódio! Um bom diretor consegue fazer maravilhas com poucos quadros usando atalhos e composições interessantes nas cenas. Normalmente os diretores ou estúdios vão atingir sua verba colocando um limite de desenhos que podem ser inseridos num episódio.

Outro fator importante é a escolha entre desenhos detalhados, consistentes, ou uma animação mais fluída. Perceba como uma animação mais rápida aumenta drasticamente o número de desenhos necessários, e fazer desenhos detalhados além de sair caro, consome mais tempo. Animação fluída é fácil de fazer quando os designs são simples OU se não pede por tanta consistência. Com orçamentos muito apertados, a indústria de animes tem sido uma luta para equilibrar esses problemas com uma boa qualidade. Essa verdade é a base para vários fãs de desenhos ocidentais atacarem o anime, mas o fato é, com animadores suficientes e o projeto certo, você pode fazer o bolo e comê-lo também! Anime certamente já produziu as sequências mais detalhadas E bem animadas que você já viu!

Exemplo de desenhos in-between

Composição/”Filmagem”:

É comum os quadros serem completados num computador. Depois de serem desenhados e examinados, são digitalizados. Assim que chegam ao computador, são pintados com paletas de cores específicas pela equipe de pintura (normalmente um trabalho com baixo salário). Eles usam as linhas sombreadas feitas pelos key animators para colorir. Essa fase “tinta & pintura” é a parte digital da produção, costumava ser feita à mão, mas digital permite alguns estilos visuais mais interessantes na coloração, tais como o uso de gradiente ou até texturas. Além disso, salva bastante tempo e dinheiro no processo. Estas são as “películas” finais que vão para a animação.

Uma vez que todos os quadros são coloridos e estão prontos, podem ser processados como animação usando um pacote específico de software. “RETAS!PRO!” é usado aproximadamente para 90% dos animes atuais no Japão (às vezes até para desenhar)! Antes do uso das “películas” digitais (digicels), desenhos (impressos nas películas) eram filmados sobre os fundos. Agora, cortes são completamente digitais, e a arte de fundo pode ser adicionada no computador. Originalmente, quando digicels estavam sendo experimentados pelos estúdios (lá pros anos 2000), houve problemas sérios para compatibilizar os detalhes dos desenhos à mão com as digicels. Mas hoje em dia os estúdios de anime já aperfeiçoaram os digicels (película digital), dando-nos animes com muitos mais detalhes e cores vibrantes. A era dos digicels já simplificou tanto o processo de produção que películas repetidas e clipes/recapitulações de episódios são basicamente coisas do passado. Alguns, porém, ainda preferem a visão mais simples dos pré-2000.

Pintura digital em Tonari no 801-chan usando RETAS!PRO!

Enquanto que, na verdade não filma, o processo de composição a respeito do colocamento de arte de fundo e capturar a animação digitalmente, ainda se refere como “filmagem”. Personagens e máquinas em CG normalmente são adicionados à composição durante a fase de filmagem. Hoje em dia o uso de 3DCG é algo comum para coisas mecânicas, como mechas, carros, ou até pessoas no fundo. Seu papel vai crescer e será menos e menos incômodo. Durante a composição, os efeitos também são aplicados aos cortes.

Efeitos! Pode parecer uma coisa trivial quando se trata de anime, mas consegue ser um componente vital para o estilo visual de uma série, já que incorpora coisas básicas como luz ambiente, lens flare, luz de fundo, o brilho de uma espada, blur e muitas outras coisas fundamentais para dar profundidade e atmosfera aos desenhos 2D. Daí se tem todas aquelas coisas brilhantes que você normalmente imagina quando alguém menciona efeitos especiais — ataques mágicos, explosões etc. Costumam ser desenhados à mão mas logo são processados com CG para dar brilho/luz. Tais efeitos podem ser adicionados de forma fácil na composição, usando máscara digital. A simplicidade desse passo resultou numa das maiores diferenças entre animes da década passada e os animes de hoje.

Em suma, a era digital de anime (na maioria) significou muitas coisas: filmar películas “fisicamente” é substituído por composições no computador a partir dos quadros feitos à mão, a pintura não precisa mais ser feita da forma tradicional, e há uma integração mais efetiva do CG e efeitos digitais. Todas essas coisas já salvaram dinheiro e tempo, tanto que TV-anime hoje em dia usa muito mais desenhos e não precisa reciclar películas ou ter que fazer episódios de flashback (Kouma: Embora alguns animes ainda façam isso. Talvez por tradição, quem sabe…).

Após a composição terminar todos os cortes, é necessário ajustar o tempo de duração para a transmissão, assim o episódio não passa do limite permitido (cerca de 22-24 minutos).

Com a conclusão dessa fase de edição, o episódio sai da produção para a pós-produção. Não entrarei em muitos detalhes, já que essencialmente consiste em pôr o som (dublagem), seja a música e as gravações de voz, e a edição final (cortar o episódio para dar espaço a comerciais). Efeitos visuais também podem ser adicionados nessa fase final.

O post não chegou a responder a pergunta inicial que fiz no início do texto, mas realmente, não é o objetivo. O que eu quero é, de algum jeito, fazer com que quem leia procure mais sobre, pesquise, tenha curiosidade sobre o assunto e não veja somente a parte “literária” do anime, ou que ache que arte é “subjetiva” e por isso não pode ser bem entendida. O artigo do seventhstyle diz outra coisa… Bem, os links estão logo abaixo, espero que esse post tenha sido útil de alguma forma para vocês.

Links Úteis:

Fazendo anime com a J.C. Staff (Em inglês)
Pequeno exemplo de estilo de animação Sketch In Motion usado em anime (SPOILER pra quem não viu o filme Lagann-hen)
Quadros Chaves de Kill la Kill
Key animators: Os caras que animam as melhores cenas dos seus animes prediletos 
Analisando arte de forma inteligente (Em inglês)
Key Frame (Genga) seguido de animação de Birdy
Sakuga Booru
Introdução ao sakuga (Recomendado)

–

Curta nossa página no Facebook!

Siga-nos no Twitter!

Assine o nosso Feed!

Nos acompanhe no Ask!

Por, Kouma